Cuadernos de Proyectos Arquitectónicos es una revista enfocada a la investigación, centrando su línea editorial en los discursos teóricos y prácticos que determinan los contextos académicos y profesionales en los que se inscribe la arquitectura hoy. Si la teoría y la historia han sido habitualmente las herramientas propias de la investigación académica, hoy el escenario crítico y teórico es más abierto. La transversalidad disciplinar y la complejidad de las prácticas profesionales han establecido nuevos vectores, no sólo en los contenidos sino también en los enfoques metodológicos. Y, simultáneamente, vemos reproducirse con fuerza debates que se creían agotados, introducidos de nuevo en la actualidad de un tiempo circular que edita y re-edita los contenidos, las imágenes y los textos. Teoría, historia y práctica crítica son, por tanto, los contenidos que ocupan el lugar central de esta publicación. Sin embargo, la necesaria aproximación crítica y su inclusión en un entorno cultural, social y académico amplio propician intersecciones y afinidades con otras disciplinas y métodos de investigación. Como consecuencia, la publicación recoge tanto artículos introspectivos y disciplinares como textos prospectivos. Inmersos en este escenario complejo, identificar y editar los enfoques y los discursos relevantes hace de esta revista un instrumento receptor y receptivo necesario. Por ello, está abierta a la creación, desarrollo o revisión de los diversos marcos conceptuales relacionados con la arquitectura y sus instrumentos de investigación, propiciando la publicación de un cuerpo de textos analíticos y críticos capaz no solo de reflejar sino también anticipar los debates relevantes dentro y fuera de la arquitectura que orientan sus preocupaciones y determinan sus prácticas. Cuadernos de Proyectos Arquitectónicos es una publicación científica con periodicidad anual, editada en formato digital de acceso abierto, así como en soporte papel por el Grupo de Investigación "Teoría y crítica del proyecto y de la arquitectura moderna y contemporánea” y el Departamento de Proyectos Arquitectónicos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. La revista recoge trabajos originales que no hayan sido publicados anteriormente, con un sistema de arbitraje para la selección de artículos mediante dos revisores externos -sistema doble ciego-, siguiendo los protocolos habituales para publicaciones científicas seriadas. Los artículos se publican íntegramente también en lengua inglesa. Convocatoria abierta Se amplía el plazo de recepción de artículos para el número 14 de la revista Cuadernos de Proyectos Arquitectónicos hasta el 6 de mayo de 2024. Todas las indicaciones para los interesados se incluyen en la web de la revista en el apartado Directrices para autores/as, las cuales es necesario cumplir. Se recuerda además la importancia de adecuarse al enfoque e intereses de la revista. (PDF PARA DESCARGA)
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And now for Something Completely Different
Something Completely Different. Architecture in Belgium, del crítico Christophe Van Gerrewey, ofrece una exploración aguda y precisa de la arquitectura belga como reflejo de los procesos de modernización en Occidente desde el siglo XIX. En lugar de presentar un catálogo de proyectos ejemplares, el autor construye una historiografía crítica a través de siete ensayos temáticos, cada uno con su propia lógica interna y cronología. Estos capítulos abordan cuestiones que trascienden los límites disciplinarios y nacionales, como la dispersión urbana, el auge del automóvil, la industrialización de la vivienda o la actual conciencia ecológica. Apoyándose en pensadores como Geert Bekaert, Charles Baudelaire y Walter Benjamin, Van Gerrewey plantea que Bélgica puede entenderse como un laboratorio revelador de los dilemas contemporáneos de la arquitectura. La presencia de arquitectos como XDGA, Architecten De Vylder Vinck Taillieu, OFFICE kgdvs y Rotor convierte este libro en una lectura esencial para quienes buscan entender el contexto cultural e histórico detrás de estas reconocidas prácticas belgas.
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Edificio en ejercicio: el antes, el entonces y el ahora de la arquitectura de las Viviendas para el Patronato de Casas Militares de Higueras y Miró (Madrid, 1966-1974)
Javier García-Germán y Alejandro Valdivieso, como directores de la revista “Arquitectura” desde 2023, y Ricardo Sánchez Lampreave, como editor invitado, han publicado recientemente, en el segundo semestre de 2024, “Viviendas para el Patronato de Casas Militares. Fernando Higueras, Antonio Miró. Madrid, 1966-1974”, dentro de la colección “Libros de Arquitectura”. Se trata de un trabajo colectivo, realizado por un equipo, y sobre todo en equipo, que consigue alborotar la inercia crítica en torno a uno de los edificios no tan, y no tan bien, conocidos hasta el momento dentro de la producción conjunta de Higueras y Miró. El libro se organiza en tres secciones, que corresponden aproximadamente al antes, al entonces y al ahora (incluso al mañana) del proyecto. En los apartados de “Archivo” se despliega una selección documental de material original inédito, procedente de diversos archivos, que pone al alcance del lector una información muy valiosa que le permite trasladarse, por un momento, al pie de obra de esas mismas fuentes primarias. Por su parte, en los apartados de “Perspectiva”, los propios editores García-Germán, Sánchez Lampreave y Valdivieso, junto a Silvia Colmenares, Lola Botia, Enrique Encabo, Inmaculada Esteban Maluenda, Elena Almagro y Alberto Sanz presentan una serie de ensayos de temática, formato y extensión diversos, complementarios y nunca redundantes, que se plantean como respectivos ejemplos de interpretación de la obra de Higueras y Miró, invitando a un diálogo que el lector debe prolongar elaborando su propia interpretación, seguramente la más necesaria. Los autores del libro han planteado un ejercicio brillante, elaborado por quienes, y dirigido a quienes están en el ejercicio cada vez más poliédrico de la profesión, pero también abierto al resto de la ciudadanía y la sociedad a través de una presentación y edición impecables.
Ruinas anunciadas y artefactos espectrales. El fallido proyecto del ‘Parque de la Relajación’ de Toyo Ito en Torrevieja
El presente artículo se centra en el caso de estudio del Parque de la Relajación de Torrevieja, proyectado por el arquitecto japonés Toyo Ito, como un ejemplo paradigmático de los procesos de transformación y declive de la arquitectura icónica en el contexto del urbanismo turístico español de comienzos del siglo XXI. El proyecto, concebido como un complejo termal de bienestar y contemplación vinculado al paisaje de las lagunas salinas de La Mata y Torrevieja, se insertaba en un momento de euforia económica y especulación inmobiliaria, en el que la arquitectura se utilizó como herramienta de simbolismo y marketing territorial. Sin embargo, la paralización de las obras y su posterior abandono materializaron las contradicciones de un modelo urbano basado en la excepcionalidad formal y la visibilidad mediática. Desde un enfoque cualitativo, a partir del análisis del contexto urbano de Torrevieja, la lógica proyectual y la trayectoria administrativa del Parque de la Relajación, la investigación propone el concepto de “artefacto espectral” para describir esta tipología arquitectónica que, pese a haber perdido su función inicial, mantienen una presencia simbólica persistente tanto en el paisaje urbano como en la memoria colectiva. Esta categoría permite comprender cómo la dicotomía entre la estrategia de la administración pública, que buscaba atraer un nuevo turismo de alto standing, y el proyecto de Ito, concebido en el papel para articular una experiencia sensorial entre cuerpo, agua y paisaje, terminó transformándose en una ruina anticipada que condensa las tensiones entre modernidad, representación y obsolescencia propias de la ciudad postindustrial. El estudio concluye que el caso de Torrevieja constituye un ejemplo revelador de las limitaciones del urbanismo del espectáculo, al tiempo que sugiere la posibilidad de reinterpretar estos espacios inacabados como dispositivos de reflexión sobre la sostenibilidad cultural y social de la arquitectura icónica.
Exposiciones indiferentes. Eludir la permanencia como proyecto
Una exposición es como una isla. Es también un océano y una montaña. Como en toda isla, se debe construir una voluntad para ingresar en ella; su naturaleza es el estado de permanente aislamiento. Es un océano en su interior; se trata de un inmenso fluido en movimiento en la que se debe aceptar los cambios de dirección. Es también montaña, en el momento en que la trayectoria propuesta en su interior se convierte en el proceso de transformación de un estado a otro. En un sentido metafórico y literal, el espacio de una exposición es capaz de combinar esas posibilidades de manera simultánea. Este espacio es por naturaleza frágil y tendencialmente vulnerable, pero potencialmente transformador. La propuesta ‘Odorama Cities’ del artista Koo Jeong A para el pabellón de Corea en la 60º edición de La Bienal de Venecia, titulada ‘Extranjeros por todas partes’, ofrece la posibilidad de entrar desde un exterior y habitar otro exterior desde su interior (solo) a partir de la permanencia. No se trata de una exposición en particular, de la temporalidad en la que fue construida, o del contenido que expone. Los espacios expositivos están siendo consumidos por la homogeneidad, de la que paradójicamente han ofrecido resistencia. La permanencia es una acción que ‘lo contemporáneo’ evade. Los espacios resultan en consecuencia, indiferentes.
El conflicto como estrategia tectónica. Dialéctica entre estructura y cerramiento en el Muziekcentrum de Herman Hertzberger
Durante los primeros treinta años de su trayectoria, Herman Hertzberger desarrolló sistemas constructivoestructurales específicos para algunos de sus proyectos, capaces, mediante adaptaciones y variaciones internas, de resolver de forma integral la totalidad del edificio. De todos estos ‘kits de construcción’, como él mismo los denominaba, el del Muziekcentrum de Utrecht (1973-1978) es el más elaborado y complejo de su carrera. Este escrito busca identificar los motivos y los recursos empleados, elementos que nos permitan verificar si esta solución constructiva incorpora los mecanismos y estrategias propios de la dialéctica entre estructura y cerramiento. Se plantea la hipótesis de que la solución constructiva analizada pueda ser considerada un ejemplo paradigmático —o modélico— de la interacción entre los dos subsistemas (estructural y delimitador) que componen este modelo tectónico dada la singular confrontación que propone. La mayor parte de los elementos analizados se perdió tras la profunda remodelación y ampliación del Muziekcentrum realizada por el propio Hertzberger. El presente estudio se fundamenta en croquis originales, material fotográfico histórico, fuentes escritas y una entrevista al propio autor, siendo la documentación inédita del proyecto de ejecución la que ha proporcionado las evidencias más relevantes.
El uso colectivo como transformación del espacio. Observación y descripción de prácticas espaciales en los proyectos culturales europeos Mercato Sonato, Plantage Dok y Kunstverein Wagenhallen
Este artículo analiza cómo el espacio arquitectónico es transformado a través del uso colectivo en la ocupación y apropiación con fines culturales de edificios en desuso. A partir de tres casos europeos, Mercato Sonato en Bolonia, Plantage Dok en Ámsterdam y Kunstverein Wagenhallen en Stuttgart, se estudian los modos en los que grupos articulados reprograman los espacios, reconfigurando sus usos. La metodología combina observación directa, entrevistas y análisis documental, lo que permite relevar evidencias empíricas de los procesos de uso y transformación. El análisis integra la perspectiva interaccionista del sociólogo Erving Goffman, en tanto los límites espaciales se conciben como construcciones sociales que emergen del uso y se consolidan en la práctica. Los resultados evidencian el surgimiento de una arquitectura del uso, donde la configuración espacial emerge orgánicamente de dinámicas sociales colectivas más que de diseños preconcebidos. Se observan en estas configuraciones, transformaciones coordinadas que, aunque frecuentemente subestimadas, producen lógicas espaciales alternativas y coherentes, sustentables, y que resultan efectivas en la reactivación de estructuras descartadas por el sistema y su entorno. Estas evidencias sugieren la posibilidad de replantear los marcos conceptuales de la producción arquitectónica, integrando los factores sociales en los procesos de diseño.
Espacio en barbecho y la arquitectura del margen legal
La urbanización bajo regímenes de financiarización ha transformado el espacio en mercancía y en activo especulativo, generando condiciones tanto de saturación como de vacancia. En este terreno, la ciudad se configura tanto por decisiones institucionales como por prácticas de resistencia: ocupaciones, apropiaciones informales y formas de rechazo cívico que abren espacios provisionales frente a las lógicas dominantes. En este contexto, los conceptos de barbecho –suspensión temporal y económica– y margen –zonas de ambigüedad física y regulatoria– sirven para describir estas áreas, donde la pregunta sobre cómo habitar el espacio permanece abierta. La arquitectura entra aquí no como proveedora de soluciones, sino como negociadora de sistemas de propiedad, ley y valor. Apoyándose en debates teóricos y en prácticas seleccionadas, el artículo explora cómo el diseño opera dentro de estos intersticios al tratar la regulación misma como material. Más que oponerse a la especulación, estos casos trabajan a través de ella, doblando tácticamente los códigos, reformulando las reglas y movilizando la incertidumbre para habilitar usos alternativos. De ello emergen modelos que reposicionan la agencia arquitectónica en la construcción de formas contingentes de acceso y relación con la propiedad. Al hacerlo, el artículo sitúa las condiciones de barbecho y margen dentro de los límites inestables y disputados de la urbanización contemporánea, donde la distinción entre legalidad e informalidad se disuelve y se ensayan posibilidades de formas alternativas de práctica.
La transformación del Immeuble-Villa en la vivienda colectiva de Buenos Aires. El edificio de la calle Rodríguez Peña 2043
Este trabajo estudia la influencia diferida, entre 1935 y 1975, de los modelos de vivienda lecorbusieranos, concretamente el Immeuble-Villa, en la vivienda colectiva en Buenos Aires, tomando como caso de estudio el edificio de la calle Rodríguez Peña 2043, diseñado en 1975 por los arquitectos Clorindo Testa, Elena Acquarone y Héctor Lacarra. A partir de la comparación del edificio con proyectos de los miembros del Grupo Austral, como la casa de renta de la calle Virrey del Pino o las células de vivienda para el Bajo Belgrano, se reconstruye una genealogía de estrategias proyectuales que, si bien toman como punto de partida el modelo original, cuyas premisas se basan en el acceso al aire, a la luz y al sol, lo reinterpretan para adaptarse a un nuevo contexto cultural y urbano. Los ejemplos porteños adoptan ciertas operaciones del proyecto original, como la integración del espacio exterior, e incorporan otras nuevas al transmutarse al contexto local, como la flexibilidad de usos y la búsqueda de singularidad en las unidades. En el proyecto de Recoleta, la transmutación del modelo lecorbusierano se produce a través de la adopción de estrategias proyectuales desarrolladas en los ejemplos porteños anteriores, lo que impulsa una transgresión de la norma, interrumpiendo el automatismo del proceso proyectual convencional. La obra se vale del extrañamiento para alterar la percepción del entorno y para generar un espacio doméstico que se adapta a la parcela porteña, estrecha y profunda, incorporando un retiro del frente del lote que permite la creación de terrazas, las cuales conforman, a su vez, la fachada del edificio.
Antonio Bonet. Bungalós en Aigua Xelida, Tamariu (1968)
En este trabajo analizamos los bungalós que Antonio Bonet construyó en la Urbanización Aigua Xelida, proyectada por él mismo durante los años sesenta en la costa de Palafrugell (Girona). Pabellones encalados, bóvedas, porches, patios y muros de piedra dispuestos como bancales agrícolas constituyen los elementos de un paisaje nuevo en la Costa Brava, de trazas modernas y formas arcaicas, que definen una forma de habitar consciente con el territorio, atenta al lugar y al clima, siguiendo los principios de aquella experiencia previa de Bonet junto a Josep Lluís Sert y Josep Torres Clavé en las Casas de fin de semana del Garraf (1935). Los bungalós objeto de este estudio pueden considerarse una evolución de las tipologías C y E de dichas casas. En la obra de Bonet, la forma no se concibe como una invención personal ni caprichosa: el patrón puede mutar o transgredirse por diferentes motivos, ya sea para adaptarse al avance tecnológico de un sistema constructivo, o por adaptaciones topográficas, climáticas o programáticas. Transcurridos más treinta años entre ambas propuestas, trataremos de demostrar en este trabajo el método investigador y las estrategias empleadas por el arquitecto desde la escala territorial, a partir de material inédito de archivo, redibujos y nuevas perspectivas, contribuyendo así a ese necesario debate sobre los modelos turísticos y las formas de habitar el paisaje de la costa mediterránea desde el pasado siglo.
Hacia un habitar moderno. Territorios periféricos Casa Lucas Prieto. Oíza, 1959-64
Los avances en la arquitectura del siglo XX llegan con retraso y de forma limitada a la Península. Más aún a ámbitos locales. Pero, cuando sucede, supondrán un importante vehículo de conexión con las ideas de la arquitectura moderna. Durante las primeras décadas del siglo XX, el Movimiento Moderno encuentra en la casa un campo de investigación en el que los itinerarios no son acompasados, ni en el tiempo, ni en los lugares. Es representativa de este hecho la casa Lucas Prieto de Francisco Javier Sáenz de Oíza, construida a comienzos de la década de los 60 en la zona de ensanche de Talavera de la Reina. Aun teniendo limitada presencia en la revisión de la obra del arquitecto, será referente en su contexto local y propiciará su incorporación a un itinerario de arquitecturas que avanzan hacia la modernidad. El artículo se propone contextualizar el proyecto y analizar aspectos que lo relacionan con arquetipos internacionales de comienzos de siglo, y cómo los conceptos y el lenguaje formal toman los medios físicos y materiales del lugar para generar una obra con valor propio, que marcará en clave local un cambio en el entendimiento del habitar y la transición hacia los ideales defendidos por la modernidad. Considerar el valor de la casa Lucas Prieto permitirá, al tiempo, aproximarnos al inicio del camino hacia la modernidad en un territorio periférico.
Entre modelo, herramienta y pieza expositiva. El mock-up en la teoría arquitectónica reciente
El mock-up es una herramienta clave en la arquitectura contemporánea cuya relevancia se ha expandido más allá de su condición como instrumento técnico de verificación para incorporar nociones epistémicas, comunicativas o políticas. La bibliografía reciente corrobora esta transformación mediante su distinción respecto a modelos similares, como la maqueta y el prototipo, su estudio como herramienta de comprobación y experimentación y su papel como pieza expositiva. Este recorrido revela cómo el mock-up trasciende su papel técnico inicial para convertirse en un espacio de negociación entre lo pensado, construido y exhibido, ampliando los límites de la práctica arquitectónica hacia nuevas metodologías y discursos.
Investigación, Especulación, Comunicación. Operatividad contemporánea de la fotografía arquitectónica
La fotografía de arquitectura, plenamente integrada en el proyecto contemporáneo, ha dejado de operar como simple documento del entorno construido para devenir herramienta de investigación, especulación o comunicación. Desde la condición postfotográfica, autores como Joan Fontcuberta y Andrea Soto Calderón analizan la pérdida de vínculo entre imagen y realidad, así como la crisis de la singularidad visual. Proyectos recientes como The Lives of Documents (2023) del CCA o exposiciones como Fiction and Fabrication (2020) ponen de manifiesto el uso activo de la imagen en la construcción de sentido, explorando el archivo, la ficción y laperformatividad fotográfica. Por último, autores como Beatriz Colomina y Lluís Juan Liñán inciden en sus textos sobre cómo los códigos estéticos de reproducción digital han desplazado los fundamentos críticos del proyecto, consolidando la imagen como agente proyectual en sí misma.
Este número 15 de Cuaderno de Proyectos Arquitectónicos vuelve a ser, una vez más, un testimonio claro de la cada vez más evidente disolución de los limites disciplinares, tanto como del creciente cruce entre crítica e investigación. Aunque hace tiempo que la revista abandonó su formato de temática cerrada por número, la selección de artículos recibidos para esta nueva entrega bien podría incitar a la edición de un volumen monográfico dedicado a la vivienda, o para ser más precisos, al hábitat doméstico. De los siete artículos publicados, aunque desde distintos enfoques metodológicos y con objetos de estudio muy diversos, cuatro se centran en proyectos residenciales o en problemas en los que la vivienda constituye su argumento central.
El plano del suelo y su pavimento como horizonte arquitectónico
Con el libro El Suelo hollado, el arquitecto José Francisco García-Sánchez nos conmina a detener nuestra mirada en esos planos del suelo que, por su mutismo o condescendencia, tantas veces quedan en el olvido al analizar el espacio arquitectónico donde siempre actúa como base y fundamento. La obtención del VII Premio IUACC a la Mejor Tesis Doctoral del año 2022 organizado por la Universidad de Sevilla ha permitido al autor transformar el volumen académico —tesis— en un libro de exquisita factura, redacción e iconografía. El arduo trabajo de reordenación y síntesis ha tamizado un texto en el que el suelo y el pavimento es una excusa para hablar de aspectos universales de la Arquitectura. Atmósferas, texturas, densidades o materialidad son factores que se confabulan en ejemplos pictóricos, arquitectónicos o gráficos que enfocan a los pavimentos evidenciando que nada es baladí cuando de Arquitectura con mayúsculas se habla.
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La materialidad visual y la visualidad háptica del ladrillo y su sintaxis a través de la comparación crítica de dos obras de Mies van der Rohe y Sigurd Lewerentz
En cualquier análisis crítico-arquitectónico, el material empleado no debe ser juzgado únicamente por su apariencia superficial, sino que, por el contrario, debe ser entendido como un palimpsesto del que desvelar su talante semiótico, su aportación al significado del conjunto, o su capacidad sintáctica referida a la conjugación con otros materiales. Bajo dicha premisa, este artículo establece una comparación dialéctica entre el uso del ladrillo realizado durante los inicios de la carrera de Mies van der Rohe en la Haus Lange (1927-1930) de Krefeld frente al realizado por Sigurd Lewerentz en la Iglesia de Sankt Petri del conjunto parroquial de Klippan (1962-1966), ya en su madurez. La confrontación de esta idéntica elección material —en diferentes contextos y ejecutada bajo tectónicas disímiles— se centra en tres aspectos: el entendimiento del ladrillo como herramienta modular y geométrica del conjunto, el detalle de su preciso aparejo como ejercicio gimnástico de la construcción, tanto en el planteamiento global como en la contingencia del detalle —esquinas o encuentros— y, por último, su capacidad de manifestar la materialidad más visible de ambos proyectos. Estos tres enfoques convergen en un cuarto criterio referido a la dialéctica entre construcción, recorrido y percepción que servirá para desvelar coherencias o su ausencia respecto de las lógicas tectónicas internas. Se analizan también aspectos fenomenológicos relacionados con la materialidad, el aparejo del ladrillo, las soluciones de encuentros y resolución de detalles en relación con una aproximación sensorial enriquecida a través de la textura, la luz y una plasticidad que aporta significados sensitivos y espaciales. La actitud artesanal hacia el aparejo del ladrillo, en ambos casos, permitirá comprender que la limitación de la paleta de elementos compositivos no supone en la arquitectura impedimento alguno para la creatividad, la innovación o la reinterpretación de una rica materialidad que delimita y configura el espacio arquitectónico.
Función, representatividad e implicaciones espaciales del modelado de la forma en la arquitectura de Le Corbusier
El proceso de proyecto de Le Corbusier se estructura en dos fases bien diferenciadas cuando el programa funcional reviste una cierta complejidad: una primera, en la que se eligen los volúmenes simples capaces de albergar los diversos usos del edificio, así como las conexiones que deben establecerse entre ellos, y una segunda, de carácter más intuitivo y emocional, en la que algunos de ellos son modelados hasta alcanzar formas plásticas y singulares, de geometría curva, que destacan entre aquellas de matriz ortogonal. Se establece de este modo una suerte de dualidad, que podríamos denominar racionalista-intuitiva, que se sumaría a otras ya conocidas como, por ejemplo, masculino-femenino (Fernández Galiano) o público-privado (Colomina). El origen de estas formas plásticas está en las primeras villas de La Chaux de Fonds donde, aún con carácter simple y en clara deuda con ciertos episodios de la historia de la arquitectura, aparecen junto a una única caja principal. A partir de aquí, en concordancia con los sucesivos cambios de intereses de Le Corbusier, tanto pictóricos como arquitectónicos, las vemos evolucionar y asumir nuevos significados y papeles cada más complejos en el desarrollo de los proyectos. La influencia del cubismo y su decidida apuesta por la industria, primero, y por la naturaleza después, le permiten explorar las posibilidades de un particular lenguaje formal con el que componer sus obras a partir de esa dualidad de formas cúbicas y formas plásticas. Este artículo estudia, siguiendo un orden temporal, algunas de las formas plásticas empleadas por Le Corbusier en su arquitectura analizando tanto sus implicaciones funcionales, espaciales, perceptivas y representativas, como el modo y momento en que aparecen, bien en el inicio, bien en una fase intermedia del proceso de ideación.
Arquitectura para familias numerosas en el desarrollismo: cinco casas en Madrid
En los años sesenta, la familia numerosa se convirtió en el modelo social por excelencia de la España franquista e, inevitablemente, la cuestión de la ubicación del espacio dedicado a los hijos en el equipo doméstico exigió a los arquitectos nuevas soluciones organizativas que regularan las relaciones entre padres e hijos (y el servicio en su caso), generando espacios propios para unos y otros, siempre que las posibilidades económicas lo permitieran. Así, en el apartado del diseño de casas unifamiliares para la clase alta o media-alta, se registraron propuestas tipológicas que ofrecieron distintas soluciones al problema de la introducción de un espacio propio para la prole –numerosa en muchos de los casos– en el conjunto de la vivienda. Se analiza esta cuestión en algunos ejemplos muy conocidos en el entorno de Madrid, poniendo el foco en las soluciones que algunos de los arquitectos de la época diseñaron en sus propias viviendas o en las de personas muy cercanas, dando respuesta a la cuestión del acomodo de los niños en el hogar y el diseño de diferentes espacios para su desarrollo intelectual y personal. Se aportan dibujos originales de estas partes de cada casa de modo que se permite una lectura ágil de estos espacios al tiempo que se facilita la comparación entre casos. Por último, el texto invita a una reflexión en la que se incluya esta cuestión en la comprensión de la casa burguesa madrileña en la época del desarrollismo.
Guggenheim vs. Helsinki Dos concursos para un museo
El acuerdo alcanzado entre el Ayuntamiento de Helsinki y la Fundación Guggenheim para explorar la viabilidad de la construcción de un nuevo museo motiva la celebración de un concurso de arquitectura entre junio de 2014 y junio de 2015. Por primera vez en su historia, la institución estadounidense presenta una convocatoria abierta a la que concurren 1.715 propuestas de 77 países distintos. Pero el concurso oficial desencadena un segundo concurso alternativo. En septiembre de 2014, varias organizaciones independientes vinculadas al mundo del arte lanzan The Next Helsinki con el objetivo de cuestionar la implantación del Guggenheim. Mientras que The Next Helsinki propone un modelo cultural vinculado a la ciudad y a la cotidianeidad de sus habitantes, la apuesta por la fundación estadounidense implica reivindicar el turismo y la globalización como parte sustancial de la economía finesa. De manera que, del Guggenheim Helsinki como caso de estudio –con su doble lectura en forma de concurso oficial y alternativo– aflora el conflicto no sólo entre dos proyectos museográficos antagónicos sino también entre dos maneras de entender la ciudad en términos económicos, políticos y sociales. Lo global se opone a lo local. Y esa pugna se visualiza a través de la arquitectura.
El espacio turístico en las arquitecturas radicales Actif au Maroc como paradigma
La arquitectura de carácter vacacional que sirvió al turismo de masas a mediados del siglo pasado cuestionó sus estrategias proyectuales de forma pareja a las de la crisis de la modernidad. Aquella arquitectura moderna de carácter positivista que solventaba objetivamente problemáticas de alojamiento vacacional se fue transformando en una arquitectura rica en referencias a aspectos vinculados a la subjetividad de los usuarios, respondiendo a la vez a los discursos teóricos coetáneos de carácter utópico. La llamada ‘arquitectura radical’ es un ejemplo de esta mutación, y también lo fue de la arquitectura turística en particular, donde encontramos una heterogénea aproximación a los imaginarios turísticos que establece conexiones entre arquitectura y el carácter hedonista intrínseco a lo turístico a través de la experiencia creativa y corporal de los usuarios. El proyecto Actif au Maroc es un paradigma de las propuestas arquitectónicas de carácter turístico desde el ámbito de la arquitectura radical’. Redactado bajo la dirección de los arquitectos Herman Grubb y Till von Hasselbach en 1971, aglutinó transversalmente propuestas de carácter espacial, performático y tecnológico de diversos actores adscritos al círculo radical vienés en un contexto geográfico desértico situado al sur de Marruecos. Esta investigación analiza un proyecto poco documentado hasta la fecha, vinculándolo a experiencias coetáneas y mostrándolo como referente para la formalización del espacio turístico contemporáneo, un ámbito que hoy exhibe una creciente proyección hacia lo sensorial y lo lúdico, frente a la representación y la mirada propias de la Postmodernidad.
La función que cumple una revista académica como Cuadernos de Proyectos Arquitectónicos está clara: la profundización en la investigación y su diseminación opensource a través de artículos revisados. Los textos están formateados según los parámetros y objetivos de la investigación, entendida como una metodología para producir conocimiento fundamentada en análisis empíricos, una trazabilidad sistemática y grados de concreción elevados en la definición del objeto de estudio.
Editor Cuadernos de Proyectos Arquitectónicos
Compilando voces de la etnografía en arquitectura: conductología arquitectónica / etnografía del proceso de diseño
El siguiente texto pretende reflexionar críticamente sobre el concepto de etnografía en arquitectura (Architectural Ethnography) desde dos enfoques diferentes: el arquitectónico y el antropológico. Es decir, por un lado, el entendimiento de la etnografía arquitectónica como el registro espacial a través del dibujo como principal herramienta para describir la realidad. Por otro, el enfoque sociológico, influenciado por los recientes avances en el campo de los estudios de ciencia y tecnología (STS), basado en la observación y la descripción de la práctica de la arquitectura a través de la aplicación de la teoría del actor-red (ANT). El texto intenta rastrear una genealogía histórica de estos dos enfoques, al tiempo que identifica literatura reciente de cada uno de ellos para precisar los matices de la forma en que entienden y definen la etnografía arquitectónica. Sin determinar si un enfoque es más valido que otro, se intuye en que modo la relación entre ambos y sus bibliografías asociadas podría ayudar a ampliar el campo y las definiciones de la propia etnografía en la arquitectura.
Durante la 12ª Bienal de Arquitectura de Venecia, en septiembre de 2010, se presentó “Innocence” el primer número de la revista San Rocco. En poco tiempo, el magazine italiano ganó popularidad y se consolidó como un referente para una generación de arquitectos jóvenes que aspiraban a escribir sobre su disciplina de manera libre y desenfadada. No obstante, su éxito como objeto de deseo y la fetichización de su estilo gráfico -especialmente las axonometrías negras de portada- opacaron algunas de sus proposiciones más rupturistas. En abril de 2019, en la Trienal de Milán, se presentó “Muerte”, el decimoquinto y último número de San Rocco. Este prematuro final supuso el incumplimiento de algunos de los objetivos iniciales de la revista. Sin embargo, la red de conexiones entre autores, colaboradores y admiradores ha mantenido vigente su legado en ciertos círculos de la arquitectura contemporánea europea.
Del icono al diagrama: Serpentine Gallery Pavilion 2012 de Herzog & De Meuron y Ai Weiwei = From Icon to Diagram: Serpentine Gallery Pavilion 2012, Herzog & De Meuron and Ai Weiwei
Resumen El amplio campo semántico que se deriva de la fértil relación entre arquitectura y representación puede ser proyectado en dos superficies distintas. La primera de ellas tiene que ver con el potencial simbólico de cualquier edificio o, dicho de otro modo, con su capacidad para representar una serie de valores, una weltanschauung particular. La segunda, por el contrario, tiene que ver con los instrumentos necesarios para la práctica arquitectónica: plantas y secciones, visualizaciones o detalles constructivos, todos ellos representaciones parciales cuya acumulación anticipa y canaliza la materialización del objeto construido. El Pabellón de la Serpentine Gallery del año 2012, proyectado y construido por la oficina Herzog and De Meuron en colaboración con el artista Ai Weiwei, nació y tomó forma como un problema de representación en las dos acepciones aquí destiladas. Por una parte, se trata de un edificio que, en oposición a la naturaleza icónica de los pabellones construidos en las once ediciones anteriores de la exposición, trata de anular la inevitable carga simbólica de un encargo destinado a resaltar la arquitectura contemporánea más innovadora. Por otra, su diseño responde de forma directa a la instrumentalización de las representaciones de los pabellones anteriores, de manera que la geometría de sus elementos internos proviene de las intersecciones virtuales generadas en la superposición de los documentos gráficos de sus predecesores. Así, a través de la condensación y síntesis de representaciones precedentes, Herzog and de Meuron y Ai Weiwei trataron de complejizar, hasta negar, la inescapable representatividad de un pabellón destinado ante todo a fines mediáticos.
Figuración retórica en la obra de Rem Koolhaas = Rhetorical Figuration in the Work of Rem Koolhaas
Resumen Una idea de proyecto puede considerarse como una proposición lógica formada por distintos elementos relacionados entre si. Por consiguiente, la estructura de la idea depende tanto de los elementos como del orden que se establezca entre ellos. La sola alteración del orden será suficiente para modificar la construcción lógica de la idea y por ello es posible generar nuevas ideas de proyecto manipulando el orden interno de proposiciones ya conocidas. A partir de esta reflexión, es fácil establecer una comparación entre los términos oración gramatical e idea de proyecto pues ambas son construcciones formadas por elementos vinculados entre sí. Si la sintaxis es “aquella parte de la gramática que enseña a coordinar y unir las palabras para formar las oraciones y expresar conceptos” (Real-Academia-Española, 2014)1, la manipulación del orden de los elementos de una idea de proyecto es equivalente a una operación sintáctica. Al utilizar aquí el término sintaxis, se pretende enfatizar la construcción del orden lógico de la idea como estrategia generadora de arquitectura: la alteración del orden de las partes que conforman una idea con el fin de proponer variantes de la misma o conceptos nuevos. Esta estrategia se observa claramente en los proyectos de OMA, donde las operaciones sintácticas constituyen al mismo tiempo una operación retórica. Desde la antigüedad, la retórica clasifica las modificaciones del uso normal de la lengua según las cuatro categorías propuestas por Quintiliano: adición, supresión, transposición y sustitución. Las figuras sintácticas son aquellas que juegan con la posición de las palabras, su omisión, redundancia, repetición, etc. En el lenguaje poético la sintaxis habitual se altera para enfatizar una idea o crear secuencias que cohesionan o dispersan la obra literaria. Este artículo sigue el orden establecido por Quintiliano para hacer una revisión inédita de las ideas de proyecto de Rem Koolhaas.
From Icon to Diagram: Serpentine Gallery Pavilion 2012, Herzog & De Meuron and Ai Weiwei
Abstract The broad semantic field that stems from the fruitful interaction between architecture and representation can be projected onto two separate surfaces. The first one deals with the symbolic function of buildings, that is, with their mandate to represent a particular system of values. The second, in turn, deals with the documents of architectural design –plans, sections or visualizations–, partial representations that anticipate and mediate the construction of buildings. The 2012 Serpentine Gallery Pavilion, designed by Herzog and de Meuron and Ai Weiwei, was conceived as a response to the dual nature of architectural representation as stated above. On the one hand, it is a building that intended to negate the symbolic essence of the commission, devoted to the promotion of the most innovative contemporary architecture, by avoiding the generation of an iconic solution. On the other, it is a building that stems from a design process based on the instrumentalization of the drawings of previous pavilions, in a way its geometry can be traced back to the intersection of their plans. Thus, it is through the combination of precedent representations that the designers tried to hinder the symbolism of a building that is mostly conceived for media purposes.
Desaparición y desvirtuación de la estructura en la obra de Sejima-SANAA = Structure disappearance and transformation in Sejima-SANAA´s work
Resumen Analiza dos estrategias empleadas por Sejima – SANAA para superar la presencia y el papel dominante de la estructura portante: la desaparición como sistema físico específico y la desvirtuación de su función como sistema ordenador del proyecto. La desaparición toma como ejemplo la Casa Flor en la que la función portante se ha transferido a la piel transparente que, evocando el contorno y centro de una flor, define los límites del espacio. Recuerda a arquitecturas previas en las que elementos como cerramientos y particiones asumían también la función estructural del conjunto. En la Casa Flor esos elementos se hacen transparentes. La estructura deviene invisible, desaparece. Recuerda al proyecto de Mies Van der Rohe para uno de los rascacielos de la Friederichstrasse (1922); a su anhelo de no precisar pilares; a su voluntad de sostenerse tan solo con las superficies transparentes onduladas de su perímetro. La desvirtuación hace referencia a estrategias en las que el sistema estructural específico se manifiestan expresa y físicamente visible, pero sin ejercer –al contrario de lo que solía- la función adicional de establecer un orden conjunto que condicione subordinándolas las posiciones de otros sistemas, cerramientos, particiones, mobiliario...; función que ha desempeñado históricamente y que deriva, entre otros, de asumir el papel de materializar , haciéndola evidente, la trama geométrica de base. Se ilustra con tres ejemplos: la Casa Platform I, en la que la estructura portante materializa el orden geométrico de base y ejerce función ordenadora; Café Park en el que la estructura materializa parcialmente la retícula de base y disminuye su función ordenadora y la Escuela de Zollverein en la que la estructura es el único sistema que no refleja, de alguna manera, la retícula de base, hasta el punto de ver desplazada su posición por la de las particiones, haciendo realidad un deseo expresado por Sejima en el año 2000: quiero pensar en la jerarquía entre tabiquería y estructura y reducir dicha jerarquía. Abstract Analyzes two strategies used by Sejima - SANAA to overcome the presence and the dominant role of the load-bearing system: it’s disappearance as a specific system and the reduction of its role as organizer of the whole of the project. The disappearance takes as an example the Flower House, where the supporting role has been transferred to the transparent skin that defines the building perimeter. Reminds previous architectures in which elements such as enclosures and partitions also assumed the bearing of the whole. In the Flower House those elements become transparent. The structure becomes invisible, disappears. Reminds Mies Van der Rohe´s project for one of the Friedrichstrasse skyscraper (1922); to his desire of not requiring pillars, of being hold only with the transparent undulated surfaces of its perimeter. The reduction of its role as organizer of the whole refers to strategies in which specific load-bearing system expressly manifest physically visible, but not exercise-unlike what used- the additional function of organizing the whole, establishing a conditional order subordinating the positions of other systems, enclosures, partitions, furniture ...; role carried out historically derived, among others, of assuming the role of materializing, making it evident, the basic geometric pattern. Is illustrated by three examples: the Home Platform I, in which the supporting structure materialises the basic geometric order, and becomes the organizer of the whole; Park Café in which supporting structure partially materialises the basic geometric order, and only partially becomes the organizer of the whole and Zollverein School where the structure is the only system that does not reflect in any way, the base grid, to the point of view shifted its position by the partitions, realizing a desire expressed in 2000 by Sejima: I want to think about the hierarchy between partition and structure and try to reduce that hierarchy .
Review of the book La cultura arquitectónica en los años de la Transición
History in the making. Built and Thought: with regard to the Historiography of Architecture
Abrumados por la acelerada proliferación de un cada vez mayor conjunto de formatos a través de los cuales, también los temas que ocupan a los historiadores de la arquitectura y el urbanismo, son sometidos a un proceso de escrutinio constante al servicio de la creación de contenido bajo parámetros de producción y rendimiento —una forma de conocimiento que anula el pensamiento, encontrándose la mayor parte de sus síntomas en la universidad—, uno no puede por menos de sentir cierto alivio al toparse con un libro, publicado con motivo de la celebración de un encuentro de investigación sobre historiografía de la arquitectura, que no sólo es capaz de cuestionar dicha rescisión desde su condición objetual —un único formato que funciona como una herramienta analógica de acción y que establece una relación entra autores y lectores (no consumidores)—, sino que lo hace, además, inquiriendo cuál sea la manera en que dicha historia ha sido y está siendo pensada. Es decir, no juzgando el pasado, sino interrogándolo, tal y como parece ser el objetivo de los historiadores de la arquitectura, toda vez que su trabajo ha alcanzado una autonomía que se justifica por el asentamiento de unos fundamentos epistemológicos propios. Abstract Overwhelmed by the proliferation of an increasing number of formats through which the themes that occupy historians of architecture and urban planning are also subject to constant scrutiny at the service of creating content controlled by parameters of production and performance — a form of knowledge that cancels thought, with its symptoms most prevalent in universities — one cannot help but feel a certain relief when coming across a book, published on the occasion of a research meeting on the historiography of architecture, that is not only capable of questioning this rescission objectively but also does so, inquiring what is the way in which this story has been and is being thought. It is a unique format that works as an analogue tool for action and that establishes a relationship between authors and readers (non-consumers). Or in other words, not by judging the past, but by interrogating it, as seems to be the aim of architecture historians every time their work has achieved a level of autonomy that is justified by the establishment of its own epistemological foundations.